Автор: Ольга Орлова
16 ноября 1972 года ушла из жизни знаменитая русская балерина Вера Каралли. Не все знают, что Вера Алексеевна не только была выдающейся танцовщицей и педагогом, но и талантливой актрисой. О ней и других балеринах, снимавшихся в кино, мы расскажем.
Вера Каралли
Она родилась в 1889 году в Москве. Ее отец был театральным режиссером и антрепренером, мать – драматической актрисой. Неудивительно, что в такой семье росла творчески одаренная девочка.
Вера с детства мечтала о балете. В 1906 году закончила театральное училище по классу хореографии. Ее педагогом был великий танцовщик и балетмейстер Александр Горский. Его ученицы становились звездами в лучших балетных труппах России и Европы. Вера Каралли была не только талантлива, но еще и очень хороша собой. Ее сразу же взяли в труппу Большого театра.
На главной сцене страны Вера Каралли танцевала главные партии в балетах «Лебединое озеро», «Дочь фараона», «Саламбо» и т.д. По достоинству оценил талант балерины и великий новатор русского балета Сергей Дягилев. Он также приглашал Веру Алексеевну в свою труппу. С «Русским балетом» Сергея Дягилева Вера Каралли гастролировала по Европе в 1909, 1919 и 1920 годах.
В 1914 году произошла встреча, изменившая жизнь балерины. Вера Каралли познакомилась с Петром Ивановичем Чардыниным. Это культовое имя для русского кинематографа. Он учился у самого Немировича-Данченко, был театральным актером и режиссером, затем увлекся новым, для того времени, жанром в искусстве – кино. На счету Чардынина более двухсот фильмов, которые он снял как режиссер, к которым написал сценарии, в которых снимался в качестве актера. Во всех этих творческих ипостасях Петр Иванович был равно талантлив.
Красота и пластика Веры Каралли поразили Чардынина. А какие еще качества требовались для актрисы немого кино? Ее первой ролью в кино стала драма «Помнишь ли ты?» Петра Чардынина. Успех у публики оказался оглушительным. Вера Алексеевна продолжила сниматься. Ее партнерами на съемочных площадках были Петр Чардынин и сам великий Иван Мозжухин. Талант актрисы Каралли оценил и еще один пионер российского кинематографа – кинорежиссер Евгений Бауэр. В его фильмах Вера Каралли тоже снималась.
Что касается личной жизни актрисы, Вера Алексеевна состояла в близких отношениях с Великим князем Дмитрием Павловичем. Когда в 1917 году произошла революция, Вера Каралли хорошо понимала, какая судьба ее ждет при большевиках. Она эмигрировала.
Ее балетная карьера заканчивалась уже в силу возраста. А вот кинематографическая карьера оказалась на самом пике. Вера Каралли много снималась во Франции и в Австрии. Правда, звуковое кино уже не использовало красоту и пластику русской балерины. Вера Алексеевна обосновалась в Вене, давала уроки балетного искусства. Отбоя от учеников не было. Скончалась Вера Каралли в тихом австрийском городке Бадене, дожив до 83 лет.
Ида Рубинштейн
Женщина-скандал, женщина с портретов, женщина-легенда…. Все это – знаменитая русская балерина Ида Рубинштейн. И не только балерина, но и актриса.
Она родилась в Харькове в 1883 году. В отличие от большинства балерин и актрис того времени была богата от рождения. Не имея необходимости зарабатывать на жизнь, Ида Рубинштейн могла заниматься чистым творчеством. Что, собственно, и делала.
Ее талант стал главной причиной ее славы, или скандалы, связанные с ее именем, не давали публике забыть Иду Рубинштейн? Сейчас уже сложно дать однозначный ответ на этот вопрос. Да, ее бурные романы с самыми знаменитыми мужчинами и женщинами того времени действительно были у всех на устах. Но и ее дебют в 1909 году в балете «Саломея» по мотивам Оскара Уайльда, музыку к которому написал Александр Глазунов, а балетмейстером был Михаил Фокин, тоже стал сенсацией. И благодаря таланту балерины, и потому что свой «Танец семи покрывал» она исполняла абсолютно обнаженной.
Знаковым стало для Иды Рубинштейн знакомство с итальянским писателем, поэтом и драматургом Габриэлем д’Аннунцио. Роковая красота российской балерины поразила итальянца. Какими были их отношения, история умалчивает. Но именно для Иды Рубинштейн д’Аннунцио написал «Мученичество святого Себастьяна». Сергей Дягилев решил сделать из этого балет. Музыку заказал самому Клоду Дебюсси. Главную партию Святого Себастьяна исполняла Ида Рубинштейн. Премьера балета состоялась в 1911 году. Публика рукоплескала. И это несмотря на то, что парижский архиепископ призвал католиков не посещать это спектакль, так как роль святого исполняет женщина, да еще и с такой репутацией.
В 1913 году в парижском театре Шатле знаменитый русский режиссер-новатор Всеволод Мейерхольд поставил «Пизанеллу» д’Аннунцио. И, конечно, главную роль куртизанки исполняла Ида Рубинштейн.
Благодаря Габриэлю д’Аннунцио балерина начала сниматься в кино. Еще в 1908 году итальянец написал драму «Корабль». В 1921 году сын д’Аннунцио решил снять фильм по книге своего знаменитого отца. Главную роль в картине он предложил женщине, столь много значившей для Габриэля д’Аннунцио, - Иде Рубинштейн. Эта картина положила начало кино карьере балерины.
Ида Рубинштейн прожила долгую и бурную жизнь. В старости приняла католичество, чуть не ушла в монастырь. Но в памяти потомков осталась та, мятежная Ида – с портретов и из кино.
Людмила Савельева
Лучшая Наташа Ростова всех времен и народов – Людмила Савельева – оказывается, была балериной прежде, чем начать сниматься в кино.
Людмила Михайловна родилась в Ленинграде. Это особенный город, здесь все девочки мечтают о балете. Но у Людмилы Савельевой были не только мечты, а еще и талант. В 1962 году она окончила знаменитое хореографическое училище им. Вагановой. Талантливую молодую балерину приняли в труппу Кировского театра. Ее балетная карьера складывалась весьма успешно.
Но случилась «Война и мир». Свою четырех серийную киноэпопею Сергей Бондарчук начал снимать еще в 1961 году. В общей сложности, работа над картиной продолжалась шесть лет. Когда встал вопрос об актрисе на роль Наташи Ростовой, Сергей Бондарчук велел найти «русскую Одри Хепберн». Ей оказалась не профессиональная актриса, а ленинградская балерина Людмила Савельева.
«Ничего общего у меня с Наташей не было: белобрысенькая, худенькая, глаза не черные, как в романе, а синие, и вообще какой-то гадкий утенок. Но Бондарчук предложил порепетировать. Он на меня не давил, не нажимал. Просто создал такую атмосферу, что мне казалось: я действительно все делаю сама. Ему было важно, чтобы я не растеряла свою непосредственность», - вспоминала сама Людмила Михайловна о работе над картиной.
Успех «Войны и мира был совершенно оглушительным. Главный приз Московского Международного кинофестиваля в 1965 году, Оскар за лучший фильм на иностранном языке в 1969 году – всех наград не перечислить. Сама Людмила Савельева по результата опроса авторитетного журнала «Советский экран» была признана лучшей актрисой 1966 года.
В балет Людмила Савельева больше не вернулась, зато стала известной кино актрисой, народной артисткой России. Среди самых известных ее работ – фильмы «Бег», «Чужая белая и рябой», «Сюжет для двух рассказов» и другие картины, ставшие классикой нашего кино.
Наталья Седых
Выражение «талантливый человек талантлив во всем» к Наталье Седых подходит абсолютно. Ее творческая биография вмещает в себя столько профессий, что о ней самой стоит снять фильм.
Наталья Евгеньевна с четырех лет занималась фигурным катанием и балетом. И там, и там показывала блестящие результаты. Номер «Умирающий лебедь» в исполнении пятнадцатилетней Натальи Седых даже показывали по центральному телевидению. Это выступление совершенно случайно увидел известный советский кинорежиссер Александр Роу. Он и пригласил Наталью Седых сыграть главную женскую роль в фильме-сказке «Морозко». С 1964 года, когда картина вышла на экраны, и до сегодняшнего дня «Морозко» остается одним из лучших и любимейших детских фильмов.
В 1968 году на экраны вышел еще один прекрасный фильм-сказка Александра Роу «Огонь, вода и … медные трубы» с Натальей Седых в главной роли. И снова зрительский успех!
Снимаясь в кино, Наталья Евгеньевна не только не бросала балета, а продолжала тяжелейшую учебу в хореографическом училище при Большом театре. В 1969 году Наталья Седых закончила училище и была принята в труппу Большого театра. Она танцевала главные партии в балетах «Спящая красавица», «Щелкунчик», «Чайка» и т.д. Своей главной творческой удачей Наталья Седых считает партию Китти в балете «Анна Каренина», где ее партнерами были майя Плисецкая и Марис Лиепа.
В кино Наталья Седых снимается до сих пор. Среди фильмов с ее участием – «Гамбринус», «Я свободен, я ничей» и другие известные картины. А с 1990 года Наталья Евгеньевна еще играет в театре «У Никитских ворот» под руководством Марка Розовского.
woman-space.ru
История балета в России начинается в 30-е годы 18-го века. В 1731 году в Петербурге был открыт Сухопутный шляхетный корпус. Так как выпускники корпуса в будущем должны были занимать высокие государственные должности и нуждались в знаниях светского обхождения, то изучению изящных искусств, в том числе и бального танца, в корпусе отводилось значительное место. Танцмейстером корпуса в 1734 году стал Жан Батист Ланде, который считается основоположником русского балетного искусства. В 1738 года Жаном Батистом Ланде была открыта первая в России школа балета
- Танцо́вальная Ея Императорского Величества школа (ныне Академия русского балета имени А. Я. Вагановой). Балет в России постепенно развивался и в 1794 году начались постановки первого русского по национальности балетмейстера Ивана Вальберха. При Павле I были изданы были особые правила для балета — было приказано, чтобы на сцене во время представления не было ни одного мужчины и мужские роли в то время исполняли женщины, например, Евгения Ивановна Колосова (1780-1869). Колосова одной из первых стала исполнять на балетной сцене русские танцы. Другим её новаторством стало то, что она сменила пышный стилизованный костюм на античный хитон. Артист балета и балетмейстер Адам Глушковский писал о Колосовой: "Я более сорока лет следил за танцевальным искусством, много видел приезжающих в Россию известных балетных артистов, но ни в одном не видал подобного таланта, каким обладала Евгения Ивановна Колосова, танцовщица петербургского театра. Каждое движение ее лица, каждый жест так были натуральны и понятны, что решительно заменяли для зрителя речи". Евгения Колосова была на сцене с 1794 по 1826 годы, после чего занялась педагогической деятельностью.
Одной из учениц Евгении Колосовой была Авдотья (Евдокия) Ильинична Истомина (1799—1848), воспетая Пушкиным в "Евгении Онегине":
Театр уж полон; ложи блещут;Партер и кресла, все кипит;В райке нетерпеливо плещут,И, взвившись, занавес шумит.Блистательна, полувоздушна,Смычку волшебному послушна,Толпою нимф окружена,Стоит Истомина; она,Одной ногой касаясь пола,Другою медленно кружит,И вдруг прыжок, и вдруг летит,Летит, как пух от уст Эола;То стан совьет, то разовьет,И быстрой ножкой ножку бьет.
Другой прославленной балериной тех лет была Мария Ивановна Данилова (1793-1810), чей творческий путь оборвала смерть от туберкулеза в возрасте 17-ти лет.
Историки до сих пор спорят, какая русская балерина первой стала танцевать на пуантах (опираясь только на кончики пальцев ног). Одни считают, что это была Мария Данилова, другие придерживаются мнения, что это была Авдотья Истомина.
Еще одной ученицей Евгении Колосовой была Екатерина Александровна Телешева (1804—1857). Один из современников писал о ней: "При самой очаровательной наружности имела она столько чувств и игры, что увлекала самого бесстрастного зрителя". Покровителем и любовником, фактически гражданским мужем Телешовой, был граф, Генерал-губернатор Санкт-Петербурга Михаил Милорадович.
Екатерина Телешева. Портрет работы Ореста Кипренского
Известной русской балериной 19-го века была Мария Сергеевна Суровщикова-Петипа (1836-1882). Мужем балерины был артист балета Мариус Петипа.
Плодом союза артистической пары Мария Суровщикова - Мариус Петипа была дочь Мария Мариусовна Петипа (1857—1930), которая, как и её родители, стала известной артисткой балета. Историк балета Михаил Борисоглебский писал о ней: "Счастливая „сценическая судьба“, прекрасная фигура, поддержка знаменитого отца сделали её незаменимою исполнительницей характерных танцев, перворазрядною балериной, разнообразной в своём репертуаре".
17 лет (с 1861 по 1878) на сцене Мариинского театра выступала Матильда Николаевна Мадаева (сценический псевдоним Матрёна Тихоновна). Большим скандалом в петербургском обществе стал её брак с князем Михаилом Михайловичем Голицыным, представителем одного из знатнейших российских родов, офицером, дослужившимся до чина Генерал-адъютанта Свиты Его Величества. Этот брак считался мезальянсом, т. к. супруги происходили из разных сословий, а по законам 19 века офицеры императорской армии не могли состоять в официальном браке с выходцами из низших сословий. Князь предпочёл уйти в отставку, сделав выбор в пользу семьи.
Видной представительницей московской школы балета 19-го века была Прасковья Прохоровна Лебедева (1839-1917), которая 10 лет была ведущей танцовщицей Большого театра.
Другой известной балериной Большого театра была Лидия Николаевна Гейтен (1857-1920). На протяжении двух десятилетий Гейтен танцевала практически все женские партии, не имея на сцене Большого соперниц. В 1883 году балетная труппа Большого театра была значительно сокращена, но Гейтен отказалась от предложений перейти в петербургские театры, чтобы сохранить традиции московского балета. После ухода со сцены Гейтен преподавала в Московском хореографическом училище.
30 лет (с 1855 до 1885 года) проработала на сцене императорских театров Петербурга Любовь Петровна Радина (1838-1917). Современники писали про неё: "Выдающийся успех имела в танцах характерных, требующих огня и увлечения, но отличалась и в мимических ролях".
В 60-е годы 19-го века на сценах Петербурга, Москвы и Парижа блистала Марфа Николаевна Муравьёва (1838—1879). Итальянский балетмейстер Карло Блазис писал, что «из-под ног её во время танцев сыплются алмазные искры» и что её «быстрые и беспрестанно изменяющиеся pas невольно сравниваешь с нитью пересыпающегося жемчуга».
С 1859 по 1879 годы в Большом театре выступала Анна Иосифовна Собещанская (1842—1918). Юрий Бахрушин в книге "История русского балета" писал: "будучи сильной танцовщицей и хорошей актрисой, Собещанская первая отступила от общепринятых правил и, выступая в балетных партиях, стала применять характерный грим. Блазис, наблюдавший Собещанскую в начале её деятельности, писал, что она „восхитительна как танцорка и, как мимистка“ и что в её танцах „видна душа, она выразительна“ и иногда доходит даже до „исступления“. Позднее другой современник утверждал, что „не трудностью прыжков и быстротою оборотов производит она наилучшее впечатление на зрителя, но цельным созданием роли, в которой танец является истолкователем мимики“.
С 1877 по 1893 в Петербургской балетной труппе императорских театров танцевала Варвара Ивановна Никитина (1857-1920).
s30556663155.mirtesen.ru
Умерла Майя Плисецкая. Великая балерина скончалась в Германии от тяжёлого сердечного приступа. Врачи боролись за ее жизнь, но ничего не смогли сделать. Майе Плисецкой было 89 лет.
Валентина Мастюкова/Фотохроника/ТАССУмерла Майя Плисецкая. Великая балерина скончалась в Германии от тяжёлого сердечного приступа. Врачи боролись за ее жизнь, но ничего не смогли сделать. Майе Плисецкой было 89 лет.
Она дебютировала в Большом театре за день до того, как началась Великая Отечественная война, и без малого полвека работала в главном театре страны, триумфально выступала на ведущих сценах планеты.
Множество наград и титулов — Майя Плисецкая была национальным достоянием страны. Глубокие, искренние соболезнования родным, близким и всем почитателям её таланта выразил Владимир Путин.Хроника. Голос диктора. «Сегодня волнующий день в жизни молодрой солистки, комсомолки Майи Плисецкой она впервые исполняет главную партию в балете Чайковского «Лебединое озеро». Это уникальные кадры1947 года. Еще не сделав ни одного движения, она уже завораживала зрителей. Ее волнующие руки, неистовые прыжки доводили зал до исступления.
Педагоги хореографического училища вспоминали, как к ним привели девочку, рыжую, как морковка, всю в веснушках, очень талантливую и очень самостоятельную. Все делала по-своему. «Умирающего лебедя» танцевала с отведенными назад руками, потому что так чувствовала. Теперь так танцуют во всем мире.
«Не надо заигрывать с публикой ни в коем случае, надо забыть о ней. Ты танцуешь — танцуй музыку, танцуй образ, танцуй роль. А есть балерины, которые все время в публику. И так, и так… А публика тогда так: не надо!» — говорила Майя Плисецкая.
Сегодня ей вручают Ленинскую премию, а завтра прима снова в балетном классе, у станка до седьмого пота, и так всю жизнь, в которой так много было сделано «вопреки». В 1938 году отца расстреляли, мать попала в тюрьму. И Майя Плисецкая осталась сиротой. Первый большой успех — 21 июня 1941 года, а завтра была война. И потом, когда о ней уже заговорил весь мир, дома ее объявляют «невыездной» и иностранной шпионкой.
«Очень уважаю всю жизнь то, что трудно», — грустно усмехалась балерина.В награду за стойкость подарок судьбы — муж, понимающий и любящий. Им предрекали разрыв с самого начала: слишком талантливы. Но Родион Щедрин продолжил писать музыку для нее, а она — танцевать им услышанную «Чайку», «Даму с собачкой», «Анну Каренину», и конечно, «Кармен».
Для нее ставили спектакли Бежар и Алонсо. Карден и Диор посвящали ей свои коллекции. Майю Плисецкую приглашали на приемы короли и президенты. В 60-е зарубежные глянцевые журналы боролись за право поместить фото этой уникальной женщины на обложку. Ее портрет рисовал Марк Шагал, восхищаясь грацией и осанкой.
В пятьдесят она танцует «Болеро» в окружении 30 мужчин, в шестьдесят — «Даму с собачкой», в 75 – «Аве, Майя!» И выглядит так, что может смело не скрывать свой возраст. Непредсказуемая, блистательная, загадочная. Женщина, которая оспорила аксиому, что сценический век балерины краток, и доказала, характер — это и есть судьба.
Источник
В пресс-службе Кремля сообщили, что президент России Владимир Путин выразил искренние и глубокие соболезнования родным, близким и всем почитателям таланта великой русской балерины Майи Плисецкой в связи с её кончиной.
Выдающаяся балерина, прима Большого театра Майя Плисецкая скончалась сегодня в Германии на 90-м году жизни, сообщает РИА Новости.
Источник
Жители Москвы несут цветы к зданию Большого театра, в котором танцевала скончавшаяся накануне балерина Майя Плисецкая, сообщает «Русская служба новостей».
Ранее гендиректор Большого театра Владимир Урин выразил надежду, что балерина Майя Плисецкая будет похоронена в России, а прощание с ней пройдет в Большом театре.
Артистка балета Майя Плисецкая скончалась 2 мая в Германии на 90-м году жизни.Источник
2 мая на 90-м году жизни скончалась балерина Майя Плисецкая.
Майя Михайловна Плисецкая родилась 20 ноября 1925 года в Москве.
В июне 1934 года Плисецкая поступила в Московское хореографическое училище. Годы учебы пришлись на тяжелое время: отец и мать Плисецкой были репрессированы, затем началась война, и Майе вместе с матерью, вернувшейся из заключения, пришлось уехать в эвакуацию.Уникальные данные юной балерины — большой шаг, высокий прыжок, великолепное вращение, выразительность рук, ее артистический темперамент и необыкновенная восприимчивость к музыке — были отмечены педагогами. 21 июня 1941 года Майя удачно дебютировала в выпускном концерте училища в сопровождении оркестра Большого театра на сцене его филиала.Спустя два года, 1 апреля 1943 года Майя Плисецкая, сдав выпускные экзамены на отлично, была принята в труппу Большого театра. Как и большинство выпускников училища, будущая великая балерина была зачислена в кордебалет. Недостаток сольных партий Плисецкая компенсировала выступлениями во всевозможных концертах. Именно тогда на московских сценах появился ее «Умирающий лебедь» на музыку Сен-Санса — номер, который она будет танцевать всю жизнь.
Постепенно Майе Плисецкой стали давать в Большом ведущие партии. Роль Маши в «Щелкунчике» Чайковского — свою первую главную партию — балерина станцевала уже в первый сезон работы в Большом театре. Затем были Мирта в «Жизели», фея Осени в «Золушке», заглавная роль в балете «Раймонда» Глазунова, Китри в «Дон Кихоте» и др. Незабываемой для зрителей стала роль Одетты-Одиллии в «Лебедином озере»: движения необыкновенно гибких рук и корпуса балерины создавали иллюзию трепета крыльев плывущего лебедя, превращения девушки в птицу. Одетта в исполнении Майи Плисецкой со временем стала мировой легендой.
Майя Плисецкая проработала в Большом театре до 1988 года. В историю мирового балета вошли ее ведущие партии в «Лебедином озере», «Каменном цветке», «Спящей красавице», «Спартаке», «Жизели», «Раймонде» и др.
Майя Плисецкая проявила себя и в качестве талантливого балетмейстера. Она поставила в Большом театре балеты Щедрина «Анна Каренина», «Чайка», «Дама с собачкой», в которых выступила как исполнительница главных партий. В 1984 году в Риме она поставила балет «Раймонда» Глазунова.
Как драматическая актриса Плисецкая снялась в художественных фильмах «Анна Каренина», «Чайковский», в телеэкранизациях балетов «Болеро», «Айседора», «Кармен-сюита», «Дама с собачкой», телевизионных фильмах «Фантазия», «Чайка». Ее творчеству посвящен документальный фильм и фильм-концерт «Майя Плисецкая», кинофильм «Балерина», телефильм «Майя Плисецкая. Знакомая и незнакомая».
После ухода из Большого театра Майя Плисецкая работала в Европе. В 1983-1984 годах она была художественным руководителем балетной труппы Римской оперы, в 1988-1990 годах — художественным руководителем «Театро лирико насьональ» в Мадриде.С 1990 года Майя Плисецкая выступала с концертными программами за рубежом, вела мастер-классы. Она сотрудничала с выдающимися хореографами мира, «Марсельским балетом» Ролана Пети и «Балетом XX века» Мориса Бежара. В 92 году в театре «Эспас Пьер Карден» состоялась премьера балета «Безумная из Шайо» на музыку Щедрина, где Майя Плисецкая исполнила главную партию.
В 1994 году в Санкт-Петербурге состоялся Первый международный балетный конкурс «Майя», посвященный творчеству Плисецкой. В том же году вышла в свет книга ее мемуаров «Я, Майя Плисецкая…», вызвавшая огромный общественный резонанс в мире. А спустя тринадцать лет Майя Михайловна выпустила продолжение книги, которая так и называется — «Тринадцать лет спустя».
С 1995 года Майя Плисецкая является почетным президентом труппы «Имперский Русский Балет», созданной по ее инициативе.
Заслуги Майи Плисецкой неоднократно были отмечены на родине и за рубежом. В 1956 году ей присвоено звание народной артистки РСФСР, в 1959-м — народной артистки СССР, в 1985 году — звание Героя Социалистического Труда. Майя Плисецкая награждена орденом Ленина, орденами «За заслуги перед Отечеством».
Лауреат Ленинской премии (1964), Премии Анны Павловой (1962, Париж), профессионального балетного приза «Душа танца» в номинации «Легенда» (2009).
Награждена французскими орденами Командора литературы и искусства и Почетного легиона, золотой медалью изящных искусств Испании, Большим крестом Командора ордена «За заслуги перед Литвой». Удостоена Международной Императорской премии Японии.
В 1985 году Плисецкой присвоено звание доктора Сорбонны, в 1993 году — почетного профессора Московского государственного университета им. М.В. Ломоносова.
По материалам ТАСС
© Архив EPA/BRITTA PEDERSEN
Прощание с Майей Плисецкой пройдет в Германии, а ее прах, по завещанию, будет развеян над Россией. Об этом сообщил в воскресенье ТАСС гендиректор Большого театра Владимир Урин.
«Родион Константинович Щедрин ознакомил меня с той часть их совместного с Майей Михайловной Плисецкой завещания, которая касается порядка прощания и ритуала захоронения, — рассказал Урин. — Последняя воля такова: «Тела наши после смерти сжечь, и когда настанет печальный час ухода из жизни того из нас, кто прожил дольше, или в случае нашей одновременной смерти, оба наши праха соединить воедино и развеять над Россией».
По его словам, прощание с Майей Плисецкой состоится в Германии в кругу только родных и близких.
Ранее в пресс-службе ГАБТа сообщили, что зрители и артисты Большого театра почтили память Плисецкой минутой молчания. Труппа ГАБТа готовила программу юбилейного вечера балерины, который должен был состояться в ноябре. Как ранее рассказал гендиректор Большого театра Владимир Урин, в ноябре пройдет вечер памяти Плисецкой. ГАБТ также намечает целую программу мероприятий, посвященных великой балерине.
«Остался ее Танец»Политики и деятели искусства разных стран мира скорбят в связи со смертью Майи Плисецкой. В субботу президент России Владимир Путин выразил свои глубокие, искренние соболезнования родным, близким и всем почитателям таланта великой русской балерины.
Премьер-министр России Дмитрий Медведев написал на своей странице в Facebook, что Майя Плисецкая обладала редким сочетанием артистизма, красоты, благородства и достоинства. «Майи Плисецкой больше нет с нами. Но остались легендарная Кармен, Одетта-Одиллия, Раймонда. Остался ее Танец», — добавил премьер.
Соболезнования в связи со смертью балерины выразили президент Литвы Даля Грибаускайте и президент Белоруссии Александр Лукашенко.
Танцор Михаил Барышников назвал Майю Плисецкую «одной из прекрасных и грациозных балерин нашего времени», отметив, что всегда будет помнить «ее потрясающего «Умирающего лебедя» 1959 и 1986 года. А прима-балерина Мариинского театра, народная артистка России Диана Вишнева считает, что с Плисецкой ушла эпоха «Большого балета».
2 мая на 90-м Майя Плисецкая скончалась на 90-м году жизни в Германии от сердечного приступа.Источник
© РИА Новости. Алексей Филиппов
2 мая 2015 года в возрасте 89 лет в Германии ушла из жизни Майя Плисецкая. Прощание с великой балериной будет проходить в кругу родных и близких. В 1994 году имя Майи Плисецкой Институтом теоретической астрономии было присвоено малой планете №4626.
Как сообщает официальный сайт Русской православной церкви, патриархом Московским и всея Руси было направлено послание со словами соболезнования супругу Майи Плисецкой Родиону Щедрину.
В сообщении предстоятеля РПЦ сказано: «Почившая вошла в историю мирового балета как замечательный мастер танца, создававшая яркие и запоминающиеся образы. Без преувеличения можно сказать, что вместе с Майей Плисецкой ушла и целая эпоха в балетном искусстве».
Напомним, что Майя Плисецкая родилась в Москве 20 ноября 1925 года. За Родиона Щедрина вышла замуж в 1958 году. В 1991 году Майя Плисецкая вместе со своим супругом переехали жить на юг Германии, в Мюнхен.
Самыми известными партиями в балете стали Аврора («Спящая красавица»), Одиллия («Лебединое озеро»), Хозяйка медной горы («Каменный цветок»). Майя Плисецкая оставила сцену в возрасте 65 лет. Балерина начала принимать участие в педагогической деятельности.
2 мая 2015 года Майя Плисецкая ушла из жизни в Германии в возрасте 89 лет. Прощание со знаменитой балериной пройдет в Германии в кругу родственников. В 1994 году Институтом теоретической астрономии было присвоено имя балерины малой планете №4626.
По материалам РИА
www.pravda-tv.ru
Вспоминаем известных танцовщиц, которые выступали на сценах русских Императорских театров, блистали на зарубежных гастролях и воспитывали целые поколения балетных.
Матильда Кшесинская впервые вышла на сцену Мариинского театра в четыре года. Едва окончив театральное училище, она стала известной танцовщицей. Балетмейстер Мариус Петипа называл Кшесинскую первой звездой русского балета и создавал партии специально для нее. С 1911 года балерина танцевала в антрепризе Сергея Дягилева.
В 1902 году Матильда Кшесинская родила сына от двоюродного брата Николая II Андрея Владимировича. После революции вместе с великим князем Кшесинская эмигрировала во Францию. Там они поженились, и балерина получила титул светлейшей княгини Романовской-Красинской.
В театральном училище Агриппина Ваганова отличалась от своих изящных сокурсниц: она была невысокой, ей не хватало природной гибкости и пластики. Начинающая танцовщица много упражнялась, в репетиционном зале она выработала свою легендарную «вагановскую» технику. Балетные критики тех лет писали о ее «стальном носке», сильных прыжках и отточенных движениях.
Балерина разработала новую методику преподавания хореографии, которая стала основой мировой балетной педагогики. Ученики Вагановой гастролировали по всему миру. В 1931 году Агриппина Ваганова стала художественным руководителем балетной труппы Мариинского театра.
«Пушинка, легкость, ветер», — сказал об Анне Павловой хореограф Мариус Петипа на вступительном экзамене в театральном училище. Ее известным сценическим образом стал «Умирающий лебедь» из одноименной хореографической миниатюры Михаила Фокина. Павлова участвовала в антрепризе Дягилева «Сильфида», художник Валентин Серов изобразил ее в этом образе на афише 1909 года — парящую и воздушную.
После участия в Русских сезонах Павлова создала собственную балетную труппу и гастролировала с ней по разным странам. Мир охватила «павловомания»: голландцы назвали в честь балерины новый сорт тюльпанов, австралийцы — торт-безе, а европейские модницы подражали экстравагантному стилю Павловой в одежде: носили расшитые манильские шали с кистями и шляпки в испанском стиле.
Ида Рубинштейн с юного возраста начала изучать танцевальное искусство и театр. Она не оканчивала театральное училище — брала уроки танцев дома. Рубинштейн играла на сценах петербургских театров и участвовала в Русских сезонах Сергея Дягилева. Она стала первой непрофессиональной танцовщицей в его антрепризе и покорила Париж своей техникой и искусством импровизации. Вскоре после премьеры спектакля с участием Рубинштейн сувениры с ее изображением продавались в каждой парижской лавочке.
Валентин Серов называл Иду Рубинштейн «ожившим архаическим барельефом», он написал портрет обнаженной танцовщицы. Сегодня полотно хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге.
Тамара Карсавина получила статус примы-балерины Мариинского театра вскоре после окончания училища. Она гастролировала с Сергеем Дягилевым и уже со второго Сезона стала первой балериной его труппы. Карсавина была настоящей звездой сцены и музой многих своих современников. Ей писали стихи, ее портреты создавали художники — Леон Бакст, Валентин Серов, Зинаида Серебрякова. В 1914 году вышел сборник «Букет для Карсавиной» с поэтическими посвящениями и репродукциями полотен с ее изображением.
В 1918 году Карсавина эмигрировала в Великобританию. Она танцевала в британской труппе «Балле Рамбер», выступала в Ла Скала, а потом стала вице-президентом Королевской академии танца.
Вера Каралли в 12 лет поступила в Московское театральное училище, чтобы стать актрисой. Но позже она передумала и решила, что хочет быть танцовщицей. После окончания училища начинающую балерину приняли в Большой театр. Сначала Вера Каралли танцевала в кордебалете, потом ей стали давать главные роли. В 1909 году она участвовала в Русских сезонах Дягилева. Позже она стала одной из первых российских кинозвезд — только в 1915 году Каралли снялась в восьми кинокартинах.
После революции танцовщица переехала в Каунас (Литва). Здесь она руководила собственной балетной студией, потом ставила танцевальные номера в Румынской опере.
Бронислава Нижинская родилась за кулисами минского театра: ее мать, балерина, выступала на сцене до последнего дня беременности. И Бронислава, и ее старший брат Вацлав тоже стали балетными. Они часто танцевали вместе, и композитор Игорь Стравинский называл Нижинских «наилучшей балетной парой, которую только можно вообразить». Нижинские участвовали в первых балетных Сезонах Сергея Дягилева.
Позже Бронислава Нижинская стала балетмейстером — и единственной женщиной-хореографом в дягилевской антрепризе. Она ставила танцевальные номера для Иды Рубинштейн и Матильды Кшесинской, руководила несколькими танцевальными школами и написала книгу по теории хореографии.
Автор: Диана Тесленко
Танцор
Хореограф
Россия
31 августа 1872 — 06 декабря 1971
26 июня 1879 — 05 ноября 1951
Танцор
Актер кино
Россия
12 февраля 1881 — 23 января 1931
Танцор
Актер кино
Россия
03 октября 1883 — 20 сентября 1960
09 марта 1885 — 26 мая 1978
Танцор
Актер кино
Россия
08 августа 1889 — 16 ноября 1972
Танцор
Хореограф
Белоруссия (Беларусь)
08 января 1891 — 21 февраля 1972
www.culture.ru
Читать оригинал публикации на culture.ru
«ДОН КИХОТ»
Музыка Л. Минкуса, либретто М. Петипа. Первая постановка: Москва, Большой театр, 1869, хореография М. Петипа. Последующие постановки: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1871, хореография М. Петипа; Москва, Большой театр, 1900, Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1902, Москва, Большой театр, 1906, все — хореография А. Горского.
Балет «Дон Кихот» — полное жизни и ликования театральное представление, вечный праздник танца, которое никогда не утомляет взрослых и на которое родители с удовольствием ведут детей. Хотя он и называется именем героя знаменитого романа Сервантеса, но отталкивается от одного его эпизода, «Свадьбы Китерии и Базилио», и рассказывает о приключениях молодых героев, любовь которых в конце концов побеждает, невзирая на противодействие упрямого папаши героини, захотевшего выдать ее замуж за богатого Гамаша.
Так что Дон Кихот тут почти ни при чем. Весь спектакль высоченный худой артист в сопровождении низенького пузатенького коллеги, изображающего Санчо Пансу, расхаживает по сцене, порою мешая смотреть сочиненные Петипа и Горским прекрасные танцы. Балет, в сущности, является концертом в костюмах, праздником классического и характерного танца, где всем артистам любой балетной труппы находится дело.
Первая постановка балета состоялась в Москве, куда Петипа время от времени наезжал, дабы поднять уровень местной труппы, которую нельзя было сравнить с блистательной труппой Мариинского театра. Но в Москве дышалось посвободнее, так что балетмейстер, по существу, поставил балет-воспоминание о прекрасных годах молодости, проведенных в солнечной стране.
Балет имел успех, и два года спустя Петипа перенес его в Петербург, что вызвало необходимость переделок. В Северной столице характерными танцами интересовались гораздо меньше, чем чистой классикой. Петипа расширил «Дон Кихота» до пяти актов, сочинил «белый акт», так называемый «Сон Дон Кихота», настоящий рай для любителей балерин в пачках, обладательниц хорошеньких ножек. Количество амурчиков в «Сне» достигало пятидесяти двух...
До нас «Дон Кихот» дошел в переделке московского хореографа Александра Горского, который увлекался идеями Константина Станиславского и желал сделать старый балет более логичным и драматически убедительным. Горский разрушил симметричные композиции Петипа, отменил пачки в сцене «Сна» и настаивал на использовании смуглого грима у танцовщиц, изображающих испанок. Петипа обозвал его «свиньей», но уже в первой переделке Горского балет прошел на сцене Большого театра 225 раз.
«ЛЕБЕДИНОЕ ОЗЕРО»
Музыка П. Чайковского, либретто В. Бегичева и В. Гельцера. Первая постановка: Москва, Большой театр, 1877, хореография В. Рейзингера. Последующая постановка: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1895, хореография М. Петипа, Л. Иванова.
Всеми любимый балет, классическая версия которого была поставлена в 1895 году, на самом деле родился восемнадцатью годами ранее в московском Большом театре. Партитура Чайковского, мировая слава которого была еще впереди, была своеобразным собранием «песен без слов» и казалась слишком сложной для того времени. Балет прошел около 40 раз и канул в Лету.
После смерти Чайковского «Лебединое озеро» поставили в Мариинском театре, и от этой версии, ставшей классической, отталкивались все последующие постановки балета. Действию были приданы большая ясность и логичность: балет рассказывал о судьбе прекрасной принцессы Одетты, волею злого гения Ротбарта обращенной в лебедя, о том, как Ротбарт обманул полюбившего ее принца Зигфрида, прибегнув к чарам своей дочери Одиллии, и о смерти героев. Партитура Чайковского была сокращена приблизительно на треть дирижером Рикардо Дриго и переоркестрована. Петипа создал хореографию первого и третьего действий, Лев Иванов — второго и четвертого. Это разделение идеальным образом отвечало призванию обоих гениальных хореографов, второму из которых пришлось жить и умереть в тени первого. Петипа — отец классического балета, создатель безупречно гармоничных композиций и певец женщины-феи, женщины-игрушки. Иванов — балетмейстер-новатор, необычайно чутко чувствующий музыку. В роли Одетты–Одиллии выступила Пьерина Леньяни, «королева миланских балерин», она же первая Раймонда и изобретательница 32 фуэте, самого трудного вида вращения на пуантах.
Можно ничего не знать о балете, но «Лебединое озеро» известно всем. В последние годы существования Советского Союза, когда престарелые лидеры довольно часто сменяли один другого, проникновенная мелодия «белого» дуэта главных героев балета и всплески рук-крыльев с экрана телевизора возвещали о печальном событии. Японцы так любят «Лебединое озеро», что готовы смотреть его утром и вечером, в исполнении любой труппы. Ни одна гастрольная труппа, которых в России и особенно в Москве множество, не обходится без «Лебединого».
«ЩЕЛКУНЧИК»
Музыка П. Чайковского, либретто М. Петипа. Первая постановка: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1892, хореография Л. Иванова.
По книгам и сайтам до сих пор кочует ошибочная информация о том, что «Щелкунчик» поставлен отцом классического балета Мариусом Петипа. На самом деле Петипа сочинил лишь сценарий, а первую постановку балета осуществил его подчиненный, Лев Иванов. На долю Иванова выпала непосильная задача: сценарий, созданный в стиле модного тогда балета-феерии с непременным участием итальянской гастролерши, находился в очевидном противоречии с музыкой Чайковского, которая хоть и была написана в строгом соответствии с указаниями Петипа, но отличалась большим чувством, драматической насыщенностью и сложным симфоническим развитием. Кроме того, героиней балета была девочка-подросток, а балерине-звезде было уготовано лишь финальное па-де-де (дуэт с партнером, состоящий из адажио — медленной части, вариаций — сольных танцев и коды (виртуозного финала)). Первая постановка «Щелкунчика», где первый — по преимуществу пантомимный акт, резко отличался от второго — дивертисментного, не имела большого успеха, критики отмечали лишь Вальс снежных хлопьев (в нем участвовали 64 танцовщицы) и Па-де-де Феи Драже и Принца Коклюша, источником вдохновения для которого послужило Иванову Адажио с розой из «Спящей красавицы», где Аврора танцует с четырьмя кавалерами.
Зато в ХХ веке, который смог проникнуть в глубины музыки Чайковского, «Щелкунчику» было уготовано воистину фантастическое будущее. Не счесть постановок балета в Советском Союзе, странах Европы и США. На российских просторах особенно популярны постановки Василия Вайнонена в ленинградском Государственном академическом театре оперы и балета (ныне Мариинский театр в Санкт-Петербурге) и Юрия Григоровича в московском Большом театре.
«РОМЕО И ДЖУЛЬЕТТА»
Музыка С. Прокофьева, либретто С. Радлова, А. Пиотровского, Л. Лавровского. Первая постановка: Брно, Театр оперы и балета, 1938, хореография В. Псоты. Последующая постановка: Ленинград, Государственный академический театр оперы и балета им. С. Кирова, 1940, хореография Л. Лавровского.
Если шекспировская фраза в известном русском переводе гласит «Нет повести печальнее на свете, чем повесть о Ромео и Джульетте», то о написанном на этот сюжет балете великого Сергея Прокофьева говорили: «Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете». Воистину изумительная по красоте, богатству красок и выразительности партитура «Ромео и Джульетты» в момент ее появления показалась слишком сложной и неподходящей для балета. Артисты балета попросту отказывались под нее танцевать.
Прокофьев написал партитуру в 1934-м, и первоначально она предназначалась не театру, а прославленному Ленинградскому академическому хореографическому училищу для празднования его 200-летия. Проект не был осуществлен в связи с убийством в 1934 году в Ленинграде Сергея Кирова, в ведущем музыкальном театре второй столицы грянули перемены. Не осуществился и план постановки «Ромео и Джульетты» в московском Большом. В 1938 году премьеру показал театр в Брно, и только два года спустя балет Прокофьева наконец был поставлен на родине автора, в театре тогда уже имени Кирова.
Балетмейстер Леонид Лавровский в рамках весьма приветствовавшегося советской властью жанра «драмбалета» (формы хореографической драмы, характерной для балета 1930—50-х годов) создал впечатляющее, волнующее зрелище с тщательно вылепленными массовыми сценами и тонко очерченными психологическими характеристиками персонажей. В его распоряжении была Галина Уланова, утонченнейшая балерина-актриса, которая так и осталась непревзойденной в роли Джульетты.
Партитуру Прокофьева быстро оценили западные хореографы. Первые версии балета появились уже в 40-х годах XX века. Их создателями были Биргит Кулберг (Стокгольм, 1944) и Маргарита Фроман (Загреб, 1949). Известные постановки «Ромео и Джульетты» принадлежат Фредерику Аштону (Копенгаген, 1955), Джону Кранко (Милан, 1958), Кеннету МакМиллану (Лондон, 1965), Джону Ноймайеру (Франкфурт, 1971, Гамбург, 1973).
«СПАРТАК»
Музыка А. Хачатуряна, либретто Н. Волкова. Первая постановка: Государственный академический театр оперы и балета им. С. М. Кирова, Ленинград, хореография Л. Якобсона, 1956. Последующие постановки: Государственный академический Большой театр СССР, хореография И. Моисеева, 1958, хореография Ю. Григоровича, 1968.
Без «Спартака» понятие «советский балет» немыслимо. Это настоящий хит, символ эпохи. Советский период разрабатывал иные темы и образы, глубоко отличные от традиционного классического балета, унаследованного от Мариуса Петипа и Императорских театров Москвы и Петербурга. Волшебные сказки со счастливым концом были сданы в архив, и на смену им пришли героические сюжеты.
Уже в 1941 году один из ведущих советских композиторов Арам Хачатурян говорил о намерении написать музыку к монументальному, героическому спектаклю, который должен быть поставлен на сцене Большого театра. Темой для него был выбран эпизод из древнеримской истории, восстание рабов под руководством Спартака. Хачатурян создал красочную партитуру, использующую армянские, грузинские, русские мотивы и насыщенную прекрасными мелодиями и огненными ритмами. Постановку должен был осуществить Игорь Моисеев.
Понадобилось много лет, чтобы его произведение вышло на суд зрителей, и появилось оно не в Большом театре, а в Театре им. Кирова. Хореограф Леонид Якобсон создал потрясающий новаторский спектакль, отказавшись от традиционных атрибутов классического балета, в том числе от танца на пуантах, использовав свободную пластику и обув балерин в сандалии.
Но хитом и символом эпохи балет «Спартак» стал в руках хореографа Юрия Григоровича в 1968 году. Григорович поразил зрителя совершенно выстроенной драматургией, тонкой прорисовкой характеров главных героев, искусной постановкой массовых сцен, чистотой и красотой лирических адажио. Он назвал свое произведение «спектаклем для четырех солистов с кордебалетом» (кордебалет — артисты, занятые в массовых танцевальных эпизодах). И каких солистов! В роли Спартака выступил Владимир Васильев, Красса — Марис Лиепа, Фригии — Екатерина Максимова и Эгины — Нина Тимофеева. И какого кордебалета! По преимуществу мужского, что делает «Спартака» единственным в своем роде творением.
Помимо известных прочтений «Спартака» Якобсоном и Григоровичем, существует еще около 20 постановок балета. Среди них версия Иржи Блазека для Пражского балета, Ласло Сереги для Будапештского балета (1968), Юри Вамоша для Арена ди Верона (1999), Ренато Дзанеллы для балета Венской государственной оперы (2002), Натальи Касаткиной и Владимира Василёва для руководимого ими Государственного академического театра классического балета в Москве (2002).
СМОТРИТЕ ТАКЖЕ
lenta.co
Корни русского балета, как и всякого вида искусства, лежат в танцевальном фольклоре. Скорее всего, это были культовые (всевозможные хороводы) и игровые («Перепляс», «Кума, где была» и проч.) пляски. Русский балет не только сохранил все эстетические каноны, но и стал законодателем в мире балета.
В Киевской Руси на рубеже VIII-IX веков стали появляться первые танцоры, профи своего дела – скоморохи... Спустя время, когда столицей стала Москва, скоморохами уже были не обязательно мужчины.
В XV-XVI веках веселые зрелища ряженых с лицами, скрытыми масками, так называемыми «машкарами», изумляли и удивляли заезжих иностранцев.
В XVII веке история русского балета отмечена открытием в Потешном дворце Кремлевского театра. По заведенной традиции, каждая постановка в этом театре всегда завершалась междусеньями (особыми выходами балетных). Эти так называемые entrée исполняли мужчины, облаченные в напыщенные одежды. Актеры показывали несколько элементов бального танца.
Первым полномасштабным балетным представлением в России считается спектакль, поставленный 8 февраля 1673 года. Произошло это знаменательное событие при дворе царя Алексея Михайловича и называлось оно «Балет об Орфее и Эвридике». История возникновения русского балета описывает его как смену церемонных поз, медлительных танцев, поклонов и переходов. Между ними актеры произносили заученные слова или пели. Все это мало походило на настоящее театральное действо. Это была только лишь царская потеха, завлекающая своей неизвестностью.
Тем временем И. Грегори, устроитель театра, приглашает Николу Лима организовать курсы обучения театральному мастерству для царского театра. На первых порах 10 детей знатных мещан, затем уже 20, успешно прошли обучение и показали на суд царю балетную постановку «Орфей» во французском стиле.
Только по прошествии четверти века Петр I, задавшись целью реформировать культурную жизнь России, привносит в быт русского общества музыку и танец. Он решает привить искусство элитным слоям жителей Петербурга. Для этого Петр I закрывает московский театр Алексея Михайловича и издает революционный указ. Этот указ об ассамблеях обязывал все государственные учреждения преподавать бальные танцы в обязательном порядке. Эти реформы сделали должность танцмейстера недосягаемо высокой. Именно этим распорядителям ассамблей балет обязан появлением в балетных танцевальных движениях, пришедших из-за рубежа, нововведений в виде элементов из национальных славянских танцев.
Автор В. Красовская («История русского балета» – Л. Искусство, 1978 г.) считает, что благодаря энергичности и безапелляционности Петра I в дворцовых залах стали проходить выступления балетных трупп, музыкантов и оперных артистов, приглашенных из-за рубежа.
В начале 1738 года в стране была организована школа балетного искусства, ставшая, по сути, первой. История русского балета кратко рассказывает об этом периоде. Выпускники школы работали в балетных коллективах иностранных театров так называемыми фигурантами (актерами кордебалета). И только много позже их допускали к главным партиям.
Колыбелью современного балета историки считают Сухопутный шляхетный корпус. В нем трудился прославленный Жан Батист Ландж, который со своими учениками поставил три придворных балетных спектакля. Как показывает история русского балета, они стали практически первыми балетными представлениями, соответствующими всем законам и нормам Королевской Академии танцев в столице Франции.
Кадеты шляхетного корпуса принимали участие в академическом, лирическом полухарактерном и одновременно комическом балетном представлении труппы Фессано из Италии.
Елизавета I, чтобы не растерять подготовленных балетных танцоров, открывает Собственную Ее Величества танцевальную школу, первым набором которой были 12 детей простолюдинов.
А к концу 1742 года, императрицей подписан указ, повелевающий учредить балетную труппу из русских танцовщиков. Именно в ней засветились первые русские звезды – профессиональные балетные танцовщики: Аксинья Баскакова и Афанасий Топорков.
Смерть Батиста Ланде вносит сумятицу в хореографическое дело в стране. Представления, которыми руководит Фессано, становятся однотипными и скучными бурлесками. Зрителя не привлекают такие постановки.
История русского балета кратко описывает тот период. В эту пору и в Европе стоит вопрос о реформе хореографического дела. Руссо и Сен-Мар требуют балетных танцоров избавиться от пышных одежд и масок с париками. Дидро настоятельно рекомендует изменить сюжетные линии балетных представлений. Тем временем Джон Уивер, не дожидаясь всеобщих изменений, ставит танцевальное представление, имеющее продуманный сюжет, а Жорж Новер пишет легендарные «Письма о танце».
Не отстает и русский балет. Появление Гильфердинга - тому подтверждение. Этот немецкий специалист закрепил сюжетные хореографические постановки в Петербурге. В Париже сюжетные балетные постановки появились только 15 лет спустя. Гильфердингу помогал Леопольд Парадизо. Уже к 50-м годам XVIII века они создавали независимые балетные пьесы.
Первая драма в русском балете принадлежит А. П. Сумарокову. Он пропагандировал хвалебные танцевальные постановки, сочинил литературную основу к балетным спектаклям «Прибежище добродетели» и «Новые лавры».
Гаспаро Анжиолини, приглашенный царем балетмейстер, усиливая яркость народных песенных славянских ноток, ставит балетное действо «Забавы о святках». Екатерина II сильно нахваливала представление. В 1779 году Законодательная комиссия в полном составе одобрила балет, музыка к которому была написана на основе славянского фольклора.
После такого колоссального успеха Анжилини перешел к развлекательным театральным постановкам, которые высмеивали злободневную тематику. Это были наделавшие шума панегирики: «Торжествующая Россия» (расхваливалось поражение турецкой армии при Кагуле и Ларге), «Новые аргонавты» (славная ода флоту Российской империи) и «Победное рассуждение» (поднимался волнующий всех вопрос о необходимости прививки против свирепствующей оспы).
Немногим ранее был поставлено первое героическое балетное представление «Семира». С этого момента балетмейстеры стали уделять большое внимание выразительности балетного танца. Ибо танцоры одновременно могут быть заняты и в потешных оперных выступлениях негосударственных театров, и в псевдорусских оперных показах, либретто к которым сочиняла сама императрица.
К новому 1778 году в Петербурге (как показывает история русского балета, книги ярко описывают это уникальное событие) ждет зрителей уже два театра: коммерческий «Вольный театр» и придворный.
Во второй половине XVIII века в моду входит овладение танцевальным искусством. А уже в начале 1773 года под опекой Леопольда Парадиза в столице на базе Воспитательного дома открывается первый учебный центр, впоследствии ставший первым публичным театром. В первом наборе было 60 детей. О первых хореографических представлениях, поставленных прославленным Козимо Меддоксом, рассказывает в своих книгах Ю. Бахрушин.
История русского балета, изученная и описанная им очень подробно, полновесно раскрывает этот период танцевального искусства. Медокс с коллективом молодых, выучившихся в России, танцоров ставил комические оперы, хореографические постановки, посвященные реальным событиям (например, «Взятие Очакова»), и дивертисменты.
На этом фоне стал быстро развиваться крепостной театр. В последнее десятилетие XVIII века уже были хорошо известны крупные коллективы крепостных актеров. Такие коллективы были у Зорича, Головкиной, Апраксина, Шереметьева, Потемкина и других помещиков.
Этот же период ознаменовался развитием и постановкой техники женского танца и художественного оформления сцены для представления. Появляется новая традиция конкретизировать на сцене место действия, декорации писать в реалистичном стиле, применять игру полутеней и света.
История русского балета 19-20 веков насыщена и многообразна. К началу XIX века искусство балета достигает той зрелости, которая по достоинству оценивается зрителем. Русские балерины привносят в хореографию воздушность, благородность и выразительность. Это очень метко подмечает А. С. Пушкин, описывая красоту танцевальных движений своей современницы, звезды балетной сцены, Истоминой: «души исполненный полет» (фраза стала синонимом балета). Ее мимика и отточенность танцевальных движений вызывала восхищение. Большая часть зрителей ходила именно на Авдотью Истомину.
Не менее прекрасны были Лихутина Анастасия, Екатерина Телешова, Данилова Мария.
Балетные постановки набирают популярность. Балетный танец, как искусство, становится привилегированным, и на него выделяются государственные дотации.
К 60-м годам прошлого века культурный бомонд охвачен новомодным течением «реализм». В русский театр приходит кризис. Касаемо хореографических постановок, он выражался в примитивизме сюжетной линии, которая подстраивалась под определенный танец. Балеринам, достигшим совершенства, предлагают танцевать в реалистичных постановках.
История создания русского балета выходит на новый виток. Возрождение началось с Петра Чайковского, который первым написал музыку для хореографической постановки. За всю историю балета, впервые музыка стала так же важна, как танец. И даже оказалась в одном ряду с оперной музыкой и симфоническими композициями. Если до Чайковского музыка писалась под танцевальные элементы, то теперь балетный актер пластикой, движением и изяществом стремился передать музыкальное настроение и эмоцию, чем помог зрителю разгадать сюжет, переложенный композитором на ноты. Мир до сих пор восхищается знаменитым «Лебединым озером».
Хореограф А. Горский привнес в постановки элементы современной режиссуры, стал уделять огромное внимание художественному обрамлению сцены, полагая, что зритель должен полностью погружаться в происходящее на сцене. Он запретил применять элементы пантомимы. Коренным образом переломил ситуацию М. Фокин. Он возродил романтический балет и сделал язык тела в танце понятным и говорящим. По мнению Фокина, каждая постановка на сцене должна быть уникальной. То есть музыкальное сопровождение, стиль и танцевальный рисунок должны быть присущи только конкретному представлению. В первые годы XX века аншлаги снимали его постановки «Египетские ночи», «Умирающий лебедь», «Сон в летнюю ночь», «Ацис и Галатея» и др.
В 1908 году Дягилев С. П. приглашает Фокина стать главным постановщиком парижских «Русских сезонов». Благодаря этому приглашению Фокин становится всемирно знаменитым. А русские балетные артисты стали ежегодно с триумфом выступать во французской столице. История русского балета славит танцовщиков русской труппы, имена которых знает весь мир: Адольф Больм, Анна Павлова, Тамара Карсавина, Вацлав Нижинский и др. И это во время упадка европейского балета!
Дягилев рискнул и выиграл. Он собрал труппу молодых и талантливых балетных актеров и предоставил им свободу действий. Разрешил действовать вне известных рамок, которые ставил известный, но уже довольно пожилой Петипа.
Свобода действий дала возможность танцорам раскрыть и выразить себя. Кроме этих революционных нововведений Дягилев привлек к художественному оформлению известнейших своих современников художников (Ж. Кокто, А. Дерена, П. Пикассо) и композиторов (К. Дебисси, М. Равеля, И. Стравинского). Теперь каждая балетная постановка стала шедевром.
После Октябрьской революции многие танцоры и хореографы оставили мятежную Россию. Но костяк остался. Постепенно ближе к народу становится русский балет. Страницы истории за период становления видели многое…
После середины XX века танцовщики и хореографы нового поколения вернули на сцену забытые танцевальные миниатюру, симфонию и одноактный балет. Число студий и театральных стало неизменно расти.
Знаменитая российская танцовщица Вера Михайловна Красовская появилась на свет еще в Российской империи 11 сентября 1915 года. После средней школы поступила и в 1933 году успешно окончила Ленинградское хореографическое училище. Училась у знаменитой Вагановой Агриппины. С этого времени и по 1941 год Красовская служит в Театре им. Кирова. Занята она в балетах академического репертуара.
В 1951 году Вера Михайловна оканчивает в Ленинграде аспирантуру Театрального института им. А. Островского, после основного обучения на факультете театроведения.
Школа профессионализма, полученная Красовской сначала в классе Агриппины Вагановой, затем в балетных постновках Мариинского театра, вместе с багажом знаний энциклопедического масштаба, аристократизмом, культурными традициями и потрясающим владением языками (французским и английским), позволила ей стать блестящим и однозначно крупнейшим балетным искусствоведом.
В 1998 году радостная новость облетела весь театральный мир. Премию «Триумф» получила Вера Михайловна Красовская. История русского балета, о которой она рассказала в книгах (некоторые из них переведены на иностранные языки) и статьях (более 300) как искусствовед и критик, сделали Веру Михайловну лауреатом свободной российской премии «Триумф». Эта награда присуждается за высшие достижения в искусстве и литературе.
В 1999 году Красовской Веры Михайловны не стало.
История русского балета с благодарностью хранит имена мастеров танцевального искусства, которые внесли колоссальный вклад в формирование русской хореографии. Это небезызвестные Ш. Дидло, М. Петипа, А. Сен-Леон, С. Дягилев, М. Фомин и многие другие. А талант русских артистов притягивал и сегодня притягивает огромное количество зрителей в разных странах мира.
По сей день русские балетные труппы считаются самыми лучшими в мире.
fb.ru
